El diseño como objeto de contemplación estética: Museos y Exposiciones de Diseño
Carolina del Valle Rodríguez

El siglo XIX, consagró la realidad del fenómeno europeo del museo moderno, recogiendo la tradición, el debate y las experimentaciones anteriores.

El museo constituyó una figura primordial en la legitimación de los movimientos de vanguardia, así como los manifiestos, los críticos y las exposiciones realizadas en función de un cambio en la concepción estética de ese momento.

Los objetos que tradicionalmente no eran considerados artísticamente, comienzan a tomar dimensiones estéticas que amplían las delimitaciones del arte, partiendo de la búsqueda de algunos de los movimientos de vanguardia como el constructivismo, el dadá y el surrealismo.

Marcel Duchamp con su Urinario, o Rueda de Bicicleta e incluso el Sujetador de Botellas, estaba iniciando una nueva concepción en el arte que pretendía entre otros elementos desorientar al público, probar la importancia intrínseca de los objetos al margen de su utilidad y de todos los valores que se le reconocen habitualmente y buscaba sugerir inauditas relaciones entre el sujeto y el objeto sin olvidar "provocar un beneficioso choque en la mente de las masas por la costumbre y la tradición".

Pintores, escultores, diseñadores, plantean de modo incesante nuevas posibilidades: en los años siguientes y hasta la actualidad el destrazamiento y el cruce de fronteras en la producción de la imagen, función por esencia y tradición exclusiva de los artistas, es desplazada por la arremetida voraz de la imagen no artística producida por los medios de comunicación social y la publicidad (Cárdenas, 1997, p. 36).

La figura del museo, en relación a lo anterior, ha ido cambiando a medida que el arte y el público han exigido de ellos nuevas reconsideraciones.

Las tipologías de los museos que existen en la actualidad contemplan dentro de los denominados museos de arte, convencionalmente, pintura, escultura, artes decorativas, artes aplicadas e industriales y las denominadas en otros tiempos artes menores, en la que quedan incluidas a menudo la mayoría de los museos de antigüedades, e incluso de folklore y artes primitivas (Cfr. Fernández, 1993, p.139)

La historia del arte ha ejercido una enorme influencia y por medio de sus convencionales divisiones cronológicas también se ha encargado de diferenciarlos en cuatro etapas: clásica, medieval, moderna y contemporánea.

Los museos de arte contemporáneo han venido soportando las tensiones normales de una sociedad plural en constante transformación y han venido manejando una multiplicidad de contenidos: a las "bellas artes" tradicionales (arquitectura, pintura, escultura, pintura, dibujo, grabado etc.) se añaden las nuevas artes de la imagen (fotografía, cine, video, multimagen), nuevas expresiones de la sociedad de consumo y de los mass media (además de las citadas, diseño, publicidad, gráficas innovadoras, comics etc.) entre otros, que le induce a la experimentación y a la multidisciplinariedad y diversidad de contenidos.

El diseño industrial y de productos desarrollados a partir de la era industrial y de serialidad del producto como resultado de las exigencias de la reproductividad en masa, desde su aparición provoca un fenómeno decisivo en la historia del arte moderno, que consiste en la transformación de la producción artesana en industrial. La exposición del Arts & Crafts celebrada en la New Gallery de Londres en 1880 va a constituir el primer germen para la sucesiva propagación del nuevo credo estético generado a partir de la revolución industrial: fue éste el período (finales del siglo XIX) que contempló las primeras grandes construcciones de ingeniería ( El Crystal Palace, la torre Eifel etc.) y se suele considerar que entonces avanzan al unísono los diversos progresos y afirmaciones en el campo de la arquitectura, de las "artes aplicadas" y del design (Dorfles, 1976, p.73).

Sin embargo no fue sino hasta 1928 que el MOMA (Museum of Modern Arte of New York), considerando al diseño industrial como arte contemporáneo, va a realizar la primera exposición de diseño realizada en un museo de arte.

Desde de finales del siglo XIX y principios del XX los museos de artes decorativas o arte moderno, han desarrollado exposiciones de diseño y han incrementado su colección con piezas de diseño. Los Museos de arte contemporáneo, con su perfil más amplio y en constante transformación han realizado grandes exposiciones en las que el diseño en varias de sus disciplinas ha sido museable, e instituciones como el MOMA, entre otros, se han dedicado desde principios del siglo XX a difundir el diseño como un objeto de posible contemplación estética y han servido de educadores, como todos los museos, en cuanto a la percepción del diseño a través de múltiples contenidos.

El Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica: un espacio de diálogo entre diversos lenguajes artísticos en Latinoamérica

El Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, posee como característica fundacional, no sólo de conservar, exponer, investigar y proyectar las artes visuales de las últimas décadas y las manifestaciones artísticas más recientes, sino también relacionarlo a la actividad realizada en el campo del diseño gráfico, industrial, y vernáculo entre otros, como muestras organizadas con un espíritu particular de diálogo, no confrontativo, entre obras de diversa índole.

Concebido en los años 90, se incluye al diseño como disciplina integral, sobre todo a raíz de la influencia de los profesionales relacionados con este campo y de la apertura en 1980 de la Escuela de Diseño Industrial del Instituto Tecnológico de Costa Rica y la necesidad de un espacio para la difusión, el conocimiento y proyección del diseño nacional.

Como parte de los museos creados más recientemente, trata de generar sobre todo investigaciones de índole monográfica que se traducen en exposiciones temporales y en actividades de reflexión, ya sean con curadurías nacionales o internacionales.

Como parte de esta actividad, a partir del año 99, se comenzó a desarrollar la muestra Dis + Art + Tec (Diseño + Arte + Tecnología) cuyo objetivo primordial es exponer muestras de diseño con vinculaciones a otras disciplinas como el arte y la tecnología, puente conector entre muchas de las manifestaciones creativas de la contemporaneidad.

La primera versión de este espacio se comenzó desarrollando con una muestra internacional titulada Diseño pensante en homenaje a la naturaleza como máximo exponente. Esta muestra estuvo conformada por objetos de diversa índole, entre esos, mobiliario, lámparas y utensilios del hogar de diferentes casas de diseño mundiales como la italiana, Alessi.

La segunda muestra, también de diseño internacional, esta vez bajo el título en Homenaje a la Creatividad, presentó una selección de los elementos innovadores en los campos del diseño industrial, publicitario y en la tecnología de la comunicación bajo un criterio de selección atribuido a la idea del "buen diseño": Una muestra de alto diseño exclusivo con valores estéticos de alto precio, que son sólo reconocidos por los "conocedores" incluyendo museos y coleccionistas. Se incluyen también objetos de producción en masa al alcance de todos . (Barahona, Catálogo de exposición, 2000).

Lámparas de la Línea italiana Artemide, diseños de Phillipe Starck, mobiliarios de reconocidas casas francesas, suizas e italianas y más de 500 objetos fueron expuestos paralelamente con la muestra itinerante Diez años del Cartel en México, que reunía 191 obras de artistas gráficos mexicanos.


Carteles mexicanos

La tercera edición estuvo dedicada enteramente a la publicidad, rama más comercial del diseño. Con el título Crisálida : la formación de una idea, distintas agencias publicitarias suecas, danesas, británicas, españolas y costarricenses lograron demostrar las capacidades estéticas aún en propuestas tan comerciales y propusieron un montaje en conjunto con la obra de la artista italoamericana Angiola Churchill de escala casi monumental y elaborada enteramente en papel hilo y tela.

En esta muestra se exploraron elementos como la ironía, el humor, el poder, la realidad, el erotismo, la emoción, la ficción, la luz, el color, el movimiento, la idea y la creatividad en pos de la reproductividad en masa y la comercialización.

Para el año 2002, se realiza la cuarta edición de este espacio mostrando las más innovadoras tendencias de la gráfica, el arte del vidrio y el video. Esta exposición incluye 4 exposiciones que muestran la vanguardia mundial del diseño gráfico, publicitario, audiovisual y decorativo.

La primera de ellas denominada Contacto Gráfico fue una selección de aproximadamente 100 carteles publicitarios del diseñador brasilero Felipe Taborda, único diseñador latinoamericano a ser incluido en el libro de los mejores diseñadores del mundo.

Memoria Postal fue el título de la segunda muestra cuya selección de tarjetas postales provenientes de colecciones privadas hizo especial alusión al simbolismo cultural y su relación con la imagen, las texturas y el contenido de cada una de ellas.

Memoria Postal

Postales tradicionales con fotografías de edificios, museos, parques o personajes famosos fueron expuestas a la par de diseños únicos con tratamientos particulares como líquido, peluche, tela entre otros.

La introducción del videoarte a la exposición dio origen a la muestra Contaminados (ex) tensiones de lo audiovisual, que parte de la relación a procesos interdisciplinarios y culturales múltiples "generados vertiginosamente en el convulso panorama de la globalización en nuestras sociedades contemporáneas" (Calvo, 2002). Se presentaron videocreaciones de Costa Rica, Japón, Alemania, Chile, Estados Unidos, México, España entre otros.

Finalmente, se expone Krystallos , piezas artísticas de vidrio y de elaboración limitada por la fábrica sueca Kosta Boda.

La quinta edición, dedicada completamente al diseño español, presenta la exposición Proyecta: Diseño Español. Una nueva generación . Organizada por el diseñador argentino Marcelo Leslabay, pretendió mostrar lo más actual del movimiento del diseño español en todas sus disciplinas: diseño de productos, industrial, de moda, gráfico y digital. En esta ocasión más allá de generar relaciones con otros artistas o nacionalidades, se trató de mostrar a manera de gran escenario el quehacer diario y el producto del diseñador visto a través de sus experiencias personales más cercanas. La muestra llega a desvanecer los límites entre ingeniería, informática y arte conceptual, mostrando no sólo utilidad, estética y función, sino también experimentación y nuevas tendencias que trascienden la frontera de lo local para situarse como búsquedas individuales dentro del campo del diseño.


Proyecta: Diseño Español

Las muestras generadas en los últimos cinco años han tratado de mantener su carácter multidisciplinario y han procurado mantener las vinculaciones de lo internacional con lo nacional. Dentro de este marco de relaciones, coexiste arte tradicional como pintura y escultura a la par de instalaciones, videocreaciones y diseño. Se trata de complementar una mirada no compartimentada de los procesos creativos actuales y de generar deslindes, más que diferenciaciones, entre los denominados procesos y resultados creativos más recientes.

En el caso específico del MADC, las exposiciones de diseño realizadas a partir del año 99, han presentado un criterio de selección y curaduría constante: la innovación y el estilo internacional.

Uno de los objetivos planteados desde el momento de su creación, a partir de la gran influencia del Instituto Tecnológico Diseño de Costa Rica, ha sido la de servir de punto de referencia para los creadores de ese país. Las exposiciones desarrolladas desde un principio y hasta la actualidad han tenido como función implícita la de educar sobre lo más actual y versado del diseño mundial y en este sentido, se ha desarrollado, con especial énfasis, un interés hacía el diseño internacional, principalmente el europeo, dejando de lado investigaciones de índole monográfico y referidos a su entorno particular. Como museo de arte centroamericano, ha establecido una especial relación con los demás países del istmo y ha desarrollado importantes intercambios culturales en el campo del arte contemporáneo.

El diseño como expresión de la contemporaneidad, por otra parte, se ha mantenido al margen del desarrollo centroamericano e incluso latinoamericano, destinando sus exposiciones a muestras de carácter europeo-internacional con relativas participaciones centroamericanas o latinoamericanas.

Con relación a lo anterior, en el marco de la Primera Reunión Científica de Historiadores y Estudiosos del Diseño "Historiar desde la periferia, historia e historias del diseño" realizado en Barcelona durante el año 99, ésta y otras problemáticas relacionadas fueron discutidas, pues el diseño y sus exposiciones generalmente presentan problemáticas relacionadas a la contextualización, el contenido, la información y ciertas dificultades de cómo mostrárselos.

En este encuentro se debatió sobre la necesidad de contextualizar la obra a través de sus procesos. La falta de información acerca de los productos a la hora de exponérselo amerita rehacer la historia particular del objeto que necesariamente implica una investigación particular ligada a la funcionalidad específica de cada muestra u objeto. A esto se le suma la dificultad de cómo mostrarlos y el desconocimiento de la historia del diseño que es una de las principales dificultades del discurso de estas exposiciones.

Muchos museos enfocan las salas de diseño bajo ciertos criterios estéticos en los cuales sólo muestran objetos de "vanguardia" o de moda, dejando por fuera muchas piezas para las cuales serían necesarios nuevos enfoques: Hoy, el paradigma del museo de objetos diseñados es el MOMA, pero sólo promociona el "good design" que establece un canon, un tipo de gusto. Los museos de diseño pretenden educar sobre lo que es el diseño, y corren el riesgo de educar sobre el buen gusto (Noël, 2000, p.2).

En este sentido, los estudiosos del diseño se enfrentan al momento de historiar y comprender los procesos e inclusive afrontar proyectos expositivos en el área de diseño, con otras necesidades y otros requerimientos acerca de los discursos y las exposiciones que necesariamente ameritan nuevas formas de lecturas aportadas por cada objeto y muestra en particular.

1ra entrega. Investigación parte de la tesis de grado titulada: Arte y diseño: interdisciplinariedad constante. Museos, arte y exposiciones de diseño, 2004 .

[ Noviembre 2007 ]